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Über die Performance Dear Museum! im Humboldt Forum
Letzten Freitag (29. Mai 2026) herrschte erwartungsvolle Stimmung in einer der vielen Nischen des Humboldt Forums. Im Erdgeschoss des massiven Baus versammelte sich ein Publikum, um eine etwa neunzigminütige Performance von Albert Ibokwe Khoza zu erleben. Als vielfach ausgezeichnete kunstschaffende Person aus Südafrika verbindet Khoza Aspekte von Genderperformance, traditionellen Praktiken und dem kritischen Hinterfragen etablierter Narrative. Neben Khoza steht die Performance- und Tanzkünstlerin Julia Zenzie Burnham auf der Bühne.
Mit Dear Museum! ist noch bis zum 6. Juni eine Performance zu sehen, die im Auftrag der Stiftung Humboldt Forum im Berliner Schloss entwickelt wurde und sich mit dem kolonialen Erbe sowie der vieldiskutierten Frage nach Raubkunst und Restitution – auch mit Blick auf Kulturgüter, die sich innerhalb der eigenen Sammlungsbestände befinden – auseinandersetzt.
Der Saal, linear, zweckmäßig und gut bestuhlt, füllt sich; die Blicke richten sich auf die Bühne: Neben einer Leinwand, die an einen Kinosaal erinnert, befinden sich an beiden Enden zwei textile Pavillons, die von der Decke hängen. Von Beginn an vermittelt der Materialkontrast zwischen Saal und Bühnenbild eine Art Unvereinbarkeit, die im Raum schwebt – und mit ihr die Frage: Ist sie hier, weil ich sie hier erwarte, oder weil sie bewusster Teil der Inszenierung ist?
Die nächsten anderthalb Stunden sind ein episodischer Wirbelwind aus Trauer, Witz, Camp, Wut, Vergebung und Forderung. Das Publikum ist dabei stets eingebunden: Es wird direkt angesprochen (It's Not Your Fault!), zu Handlungen aufgefordert und zur Komplizin einer teils provozierenden, emotional destabilisierenden Bühnenhandlung gemacht. Es weint, lacht, singt und tanzt mit Khoza und Burnham, die die Performance gemeinsam gestalten und zu einer kollektiven Erfahrung machen. Die beiden Künstler*innen treten auch in einen Dialog miteinander und mit der Materie, der zwischen Sprache, Tanz und Ritual ebenso wechselt wie die Tonalität der Handlung.
Den Rahmen der Performance bildet eine Briefsequenz, deren Worte laut vorgelesen über die Leinwand laufen – ein persönlicher, mäandernder Prolog und Epilog zugleich. Geschrieben und gelesen von Albert Ibokwe Khoza, ist diese Rahmung ebenso persönliche Auseinandersetzung mit der Frage, wem in einer von Kolonialismus geprägten Welt das Recht zugestanden wird, Geschichten zu erzählen wie klar formulierte Aufforderung zur Rückgabe und Wiedergutmachung. Der Appell ist in dem Brief an das Museum mit scheinbar großer Sorgfalt und Rücksichtnahme gegenüber der Institution formuliert.
Die narrativen Höhepunkte der Bühnenhandlung durchbrechen diese Zurückhaltung bisweilen deutlich: Aus Bitte wird Forderung, aus Forderung wird Drohung. Diese Steigerung ist notwendig, um die Anklage gegen eine fortgeführte ethnologische Museumspraxis mit Nachdruck zum Ausdruck zu bringen. Das Publikum wohnt einer Performance bei, deren Inhalt und Forderung sich an den Raum richten, in dem sie stattfindet – und die von eben diesem Raum ausgerichtet wird. Die Ironie ist nicht zu übersehen.
Aufnahmen der Generalprobe der Performance "Dear Museum!"
© Albert Ibokwe Khoza / Stiftung Humboldt Forum im Berliner Schloss, Foto: Stefanie Loos
Die Kritik an kolonialen und neokolonialen Machtverhältnissen wird in einem Raum formuliert, der selbst aus eben diesen Verhältnissen hervorgegangen ist. Zwar erzeugt diese Konstellation produktive Spannungen und kann effektiv auf historische Kontinuitäten verweisen; zugleich stellt sich jedoch die Frage, ob die institutionelle Einbettung die politische Aussage nicht auch entschärft. Was bedeutet es, wenn Kritik dort geäußert wird, wo sie bereits erwartet wird und kalkuliert ist?
Die Performance nutzt die Geschichte des Museums als Resonanzraum ihrer Anklage. Dennoch bleibt offen, ob dieser Resonanzraum die Botschaft verstärkt oder domestiziert. Innerhalb des Museums wird sie Teil eines institutionellen Rahmens, der Kritik auch verwaltet – und nicht nur steuert, wer die Geschichten erzählt, sondern auch wann, wo, unter welchen Bedingungen und mit welchem Ergebnis. Die Aufführung bewegt sich damit in einem Spannungsfeld, das viele politische Kunstformen kennzeichnet: Sie gewinnt durch den symbolisch aufgeladenen Ort an historischer Tiefe, riskiert jedoch zugleich, von dessen institutioneller Logik vereinnahmt zu werden. Gerade diese Ambivalenz, erzeugt durch die scheinbare Unvereinbarkeit zwischen Institution und dekolonialer Praxis, wird letztlich zu einem der aufschlussreichsten Aspekte der Inszenierung. Damit stellt sich am Ende weniger die Frage, ob die Performance ihre Kritik überzeugend formuliert, sondern unter welchen Bedingungen diese Kritik wirksam werden kann.
Mit: Albert Ibokwe Khoza (Konzept, Performance), Julia Zenzie Burnham (Performance), Princess Mhlongo (Outside Eye & Produktionsleitung), Ngobile “Rick” Natasia (Bühne & Requisiten), Sandile Madi (Video), Noluthando Lobese (Kostüm), Yogin Sullaphen (Composition), Nkululeko Mazibuko (Lichtdesign), Miranda Mogodla (Assistenz & Inspizienz)
Dear Museum!
4., 5. und 6. Juni 2026
Veranstaltungszeiten:
19.00—20.30 Uhr
Humboldt Forum
Schloßplatz
10178 Berlin
Dear Museum
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On the Performance Dear Museum! at the Humboldt Forum
Last Friday (May 29, 2026), there was an air of anticipation in one of the many niches of the Humboldt Forum. On the ground floor of the massive structure, an audience gathered to experience a ninety-minute performance by Albert Ibokwe Khoza. An award-winning South African artist, Khoza merges aspects of gender performance, traditional practices, and the critical interrogation of established narratives. Alongside Khoza on stage is the performance and dance artist Julia Zenzie Burnham.
Running until June 6, Dear Museum! is a performance commissioned by the Stiftung Humboldt Forum in the Berlin Palace. It engages with colonial heritage and the much-debated question of looted art and restitution—including cultural assets held within the institution’s own collections.
The hall, linear, functional, and well-seated, fills up; gazes are fixed on the stage. Next to a screen reminiscent of a cinema, two textile pavilions hang from the ceiling at either end. From the start, the material contrast between the hall and the stage design conveys a sense of incompatibility hovering in the air—and with it, the question: Is it here because I expect it to be, or because it is a deliberate part of the staging?
The next hour and a half is an episodic whirlwind of grief, wit, camp, rage, forgiveness, and demands. The audience is constantly engaged: directly addressed (It's Not Your Fault!), prompted to act, and made an accomplice to a stage action that is at times provocative and emotionally destabilizing. They cry, laugh, sing, and dance with Khoza and Burnham, who co-create the performance and turn it into a collective experience. The two artists also enter into a dialogue with each other and with the material, shifting between language, dance, and ritual as fluidly as the tonality of the action.
The performance is framed by a sequence of letters, the words of which scroll across the screen as they are read aloud—a personal, meandering prologue and epilogue combined. Written and read by Albert Ibokwe Khoza, this framing is both a personal exploration of who is granted the right to tell stories in a world shaped by colonialism and a clearly articulated call for return and reparation. In the letter to the museum, the appeal is formulated with seemingly great care and consideration for the institution.
The narrative highlights of the stage action occasionally break through this restraint quite sharply: a request becomes a demand, a demand becomes a threat. This escalation is necessary to emphatically express the indictment of continued ethnological museum practices. The audience witnesses a performance whose content and demands are directed at the space in which it takes place—and which is hosted by that very space. The irony is impossible to miss.
The critique of colonial and neo-colonial power dynamics is formulated within a space that itself emerged from these very dynamics. While this constellation generates productive tensions and can effectively point to historical continuities, it simultaneously raises the question of whether institutional embedding might also defang the political message. What does it mean when critique is expressed where it is already expected and calculated?
The performance utilizes the history of the museum as a resonance chamber for its indictment. Yet, it remains open whether this resonance chamber amplifies or domesticates the message. Within the museum, it becomes part of an institutional framework that also manages critique—controlling not only who tells the stories, but also when, where, under what conditions, and with what outcome. The performance thus moves within a field of tension characteristic of many political art forms: it gains historical depth through the symbolically charged location, yet risks being co-opted by its institutional logic. It is precisely this ambivalence, created by the apparent incompatibility between institution and decolonial practice, that ultimately becomes one of the most revealing aspects of the production. Thus, in the end, the question is less whether the performance formulates its critique convincingly, but rather under what conditions this critique can become effective.
With: Albert Ibokwe Khoza (Concept, Performance), Julia Zenzie Burnham (Performance), Princess Mhlongo (Outside Eye & Production Management), Ngobile “Rick” Natasia (Stage & Props), Sandile Madi (Video), Noluthando Lobese (Costume), Yogin Sullaphen (Composition), Nkululeko Mazibuko (Lighting Design), Miranda Mogodla (Assistant & Stage Management)
