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Geschichte(n) werden geschrieben, konstruiert, zurechtgerückt und korrigiert. Dabei werden tradierte Argumentationslinien nacherzählt, übernommen und navigiert. Erinnern ist Verfügen über Ressourcen. Gegenwärtige rechtskonservative Diskurse adressieren die Vergangenheit, vereinnahmen sie und interpretieren sie für ihre Zwecke. Modernste Technik, die KI, wiederum schafft ganz eigene Realitäten. Diesen Strömungen widersetzen sich die 13 Künstler*innen der sehenswerten Ausstellung „After memory“ im Kunstraum Kreuzberg.
Durch die Ausstellung strömt ein frischer, dunstig-warmer Geruch. In einem der hinteren Räume schwebt über den Besucher*innen ein riesiges Nest aus getrocknetem Seegras. Ursprünglich als Füllmaterial von Matratzen in Krankenhäusern genutzt, sollte die Körperwärme der Patient*innen einst ätherische Öle freisetzen. Mit der dichten Knotenwolke referiert Karolina Grzywnowicz auch auf Bestattungsrituale aus Osteuropa und dem Baltikum, wo nach dem Tod von Angehörigen Trauerarbeit durch gemeinschaftliches Weben, Knüpfen, Binden stattfindet. „Walking through Underwater Meadows“ (2024) ist eine Arbeit über den Tod; im Kern handelt sie jedoch vom Verschwinden, der anschließenden Trauer und ihrer Bewältigung. Sie hüllt die Ausstellung in eine sanfte, doch entschieden eindringliche Stimmung.
In einem anderen Teil der Ausstellung bilden zwanzig rostige Armierungsstäbe ein fragiles räumliches Gefüge. Die Installation „Bricks and Cement don´t make a home” (2024) des Duos Vanessa Amoah Opoku und Joy Weinberger entspricht dem Grundriss eines unvollendeten Hauses von Amoah Opokus Familie. Der Bau, einst Symbol für die geplante Rückkehr aus der Diaspora, blieb unvollendet – ein stummes Zeugnis einer sistierten Hoffnung. Mithilfe von LiDAR-Scans – einer Technologie, die auch zum Auffinden von Maya-Stätten eingesetzt wird – wurden die Spuren dieser Bauruine digitalisiert und vervollständigt.
Diese Scans lässt Weinberger wiederum in Textilien und eine große Videosimulation übersetzen. Aus den digitalen Punktwolken kristallisieren sich die architektonischen Visionen zu einer visionären Architektur.
Häufig vermitteln Gebäude ein Versprechen von Stabilität und Wachstum. Die Künstlerin Heba Y. Amin zeigt auf neun Bildschirmen Videos unvollendeter und leerstehender Immobilienprojekte rund um Kairo. Die Bauten bezeugen das politische Versagen, zu Brachland gewordene Investmentprojekte – ungenutzt, stillstehender Verfall. Unterlegt werden die eindrücklichen Schwarz-Weiß-Bilder von Tonaufnahmen, entstanden am 27.1.2011, als ägyptische Behörden den Internetzugang im gesamten Land gekappt haben und postwendend Programmierer*innen die Plattform „Speak2Tweet“ ins Leben riefen, wo Sprachnachrichten auf eine Festnetznummer gesprochen und dann auf Twitter gepostet werden konnten.
Teil unserer digitalen Welt ist der Moment, in dem sich das Bild im Internet erst noch aufbauen muss. Die verschwommenen Farbflächen lassen unkenntlich, was sich allmählich wellenartig entpixelt oder schlagartig sichtbar wird. Taysir Batnijis drei Ölgemälde halten just diesen Moment fest, bevor die Bilder aufpoppen, bevor die User*innen Krieg, entmenschlichte Verwüstung, zerstörerischer Horror anspringen. Auch der kurze Film „Old House“ (2008) von Rabih Mroué befasst sich mit dem Zusammenfall eines Wohnhauses während des libanesischen Bürgerkriegs. Das Video läuft vorwärts und rückwärts, sodass der gefilmte Einsturz des Hauses in einem endlosen Loop eintritt, um das Haus dann in stolprigen Bildern erneut entstehen zu lassen.
Ana Hupe untersucht mit ihrer Rauminstallation „Dreaming Dashes / Transatlantic Crossroads“ (2024) das postkoloniale Erbe musealer Sammlungen in Deutschland. Von der Decke hängen acht Fahnen und auf einem Tisch liegen drei Bücher. Vor dem indigoblauen Baumwollfond heben sich die weißen Konturen kolonialer Objekte aus Brasilien und Westafrika ab. Einzelne Motive sind wiederum mit Stickereien in dunklem Blau überschrieben. Diese basieren auf Zeichnungen deutscher Ethnographen. Hupes Aneignung von enzyklopädischen Zeichensystemen, gepaart mit alten Techniken wie der Batik und der Verwendung von Naturmaterialien lässt sich als subversiv interpretieren, sich etwas zurücknehmen, um die Geschichtsschreibung der Dinge zu ergänzen. Sollten wir uns dieses Subversive angewöhnen, als Reaktion auf unsere schnelllebige Gegenwart?
Künstler*innen: Noor Abuarafeh, Heba Y. Amin, Maria Thereza Alves, Aram Bartholl, Taysir Batniji, Giselle Beiguelman, Zach Blas, Karolina Grzywnowicz, Ana Hupe, Eduardo Kac, Aline Motta, Rabih Mroué, Vanessa Amoah Opoku & Joy Weinberger und Federico Protto
AFTER MEMORY
Echoes in the Future Perfect Tense
11.07. – 11.10.2026
täglich 10:00 – 20:00 Uhr
Der Eintritt zu unseren Ausstellungen ist frei.
Kunstraum Kreuzberg
Mariannenplatz 2
10997 Berlin
kunstraumkreuzberg.de
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The Future of Memory
Maximilian Wahlich
History (or histories) are written, constructed, adjusted, and corrected. In the process, traditional lines of argumentation are retold, adopted, and navigated. Remembering is a command over resources. Contemporary right-wing conservative discourses address the past, co-opting and interpreting it for their own purposes. State-of-the-art technology—AI—in turn, creates its own realities. The 13 artists in the noteworthy exhibition "After memory" at Kunstraum Kreuzberg resist these currents.
A fresh, hazy-warm scent wafts through the exhibition. In one of the rear rooms, a giant nest of dried seagrass floats above visitors. Originally used as filler for hospital mattresses, patients’ body heat was once meant to release essential oils. With this dense cloud of knots, Karolina Grzywnowicz also refers to burial rituals from Eastern Europe and the Baltics, where mourning involves communal weaving, knotting, and binding after the death of relatives. "Walking through Underwater Meadows" (2024) is a work about death; at its core, however, it deals with disappearance, subsequent grief, and the process of overcoming it. It envelops the exhibition in a gentle yet resolutely insistent mood.
In another part of the exhibition, twenty rusty rebar rods form a fragile spatial structure. The installation "Bricks and Cement don’t make a home" (2024) by the duo Vanessa Amoah Opoku and Joy Weinberger corresponds to the floor plan of an unfinished house belonging to Amoah Opoku’s family. The building, once a symbol of the planned return from the diaspora, remained unfinished—a silent testimony to a suspended hope. Using LiDAR scans—a technology also used to locate Mayan sites—the traces of this building ruin were digitized and completed. Weinberger, in turn, has these scans translated into textiles and a large video simulation. From the digital point clouds, architectural visions crystallize into visionary architecture.
Buildings often convey a promise of stability and growth. The artist Heba Y. Amin shows videos of unfinished and vacant real estate projects around Cairo on nine screens. The structures bear witness to political failure, investment projects turned into wasteland—unused, stagnant decay. These evocative black-and-white images are accompanied by audio recordings made on January 27, 2011, when Egyptian authorities cut off internet access nationwide and programmers immediately launched the "Speak2Tweet" platform, where voice messages could be left on a landline number and then posted to Twitter.
Part of our digital world is the moment when an image on the internet is still loading. Blurred fields of color leave unrecognizable what gradually depixelates in waves or suddenly becomes visible. Taysir Batniji’s three oil paintings capture precisely this moment before the images pop up, before war, dehumanized devastation, and destructive horror leap out at the user. Rabih Mroué’s short film "Old House" (2008) also deals with the collapse of a residential building during the Lebanese Civil War. The video runs forward and backward, so that the filmed collapse occurs in an endless loop, only to let the house re-emerge in stumbling images.
With her spatial installation "Dreaming Dashes / Transatlantic Crossroads" (2024), Ana Hupe examines the post-colonial heritage of museum collections in Germany. Eight flags hang from the ceiling, and three books lie on a table. Against the indigo-blue cotton background, the white contours of colonial objects from Brazil and West Africa stand out. Individual motifs are, in turn, overwritten with dark blue embroidery based on drawings by German ethnographers. Hupe’s appropriation of encyclopedic sign systems, paired with ancient techniques such as batik and the use of natural materials, can be interpreted as subversive—a pulling back to augment the historiography of things. Should we make this subversiveness a habit as a reaction to our fast-paced present?
